错位节拍歌词(错位节拍小说)

相比摇滚乐，他们更安静，

但所表达之物却是另一种“丰富”。

器乐摇滚一直是小众音乐中无法被用语言表达的音乐。

相比摇滚乐，他们更安静，但所表达之物却是另一种“丰富”。在这里，我们筛选了一些器乐摇滚乐队的近期新作，并进行简短评述，为大家提供聆听时的另一种欣赏角度。

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# Pg.Lost #

专辑《Oscillate》两首先行曲

与其他风格的后摇不一样，在pg.lost的音乐中，一直有着浓厚的金属元素。从早期创作《KEY》中的尝试，到《Versus》的直率和崩裂，这也正如pg.lost 一直所希望的，“成为一个 heavy band 或者 hard band。”

在《Oscillate》这张专辑中，乐队成员在采访中介绍，专辑更加具有电影感的氛围，不像之前的专辑《Versus》中更多的摇滚、后金属元素。

《Oscillate》的两首先行曲似乎也应证了这一点，将近七分钟的单曲《E22》有着高度的戏剧化，《Suffering》则细致的刻画了情绪与氛围。这也让专辑的主题更加明确，“Oscillate”，在徘徊之中的内心经历。也许结果并非最重要，但徘徊的过程，却值得记住。

第一首先行单曲《E22》，在b小调的吉他solo中开始，随着节奏稳固的鼓点逐渐密切，一步一步的积攒着音乐的势能。

此后，音乐层次也不断丰富，随着人声的逐步递进，乐曲氛围层层递进，激化矛盾，又在快要爆发时暂时屏息，继续有条不紊的蓄积能量，像是一步一步的走过乐队设定的阶梯，在到达顶端时，在音乐势能爆发时的激昂宏大的情感中落下，感受那一瞬间与空气的摩擦，加入效果器的吉他轰鸣，像是模仿了那最极端的声音，遗留几秒，就消失了。又好像，一切都为了这一瞬，这种极端戏剧化的效果，让这支先行曲有着极大的力量，震撼着听众的内心。

不同于《E22》的激越，专辑的第二支单曲描绘的感受线条更长，乐队也更注重情感的细节描绘。

在《Suffering》中，pg.lost不仅创造了后摇所可以带来的音乐氛围，还将吉他独奏加入了效果器，引导着听众内心的情绪主线，随着歌曲的推进而变化。歌曲以吉他独奏摇摇晃晃，模糊而犹豫着行进作为开头，紧接着，乐队的其他部分慢慢加入，负责渲染音乐中悲壮但带有冲击力与包裹性的氛围，裹挟着人们进入“苦难”。这时，独奏的吉他飘渺不定，被其他部分掩盖着。

接着，在歌曲中间部分突然加入了旋律的八度音程，使旋律变得稳定而有力量，像是犹豫已久的人，突然坚定了内心。

之后，一段以鼓组为主导的部分，推动着歌曲前进，而在乐队的其他部分又一次重复时，此时的吉他旋律虽然仍以微弱之声开始，给观众感受却不似之前的恍惚，虽然微弱，却明确，坚定。

正如我们所料，又一次重复的八度音程接入了更坚定而密切的鼓点，原本处于危机和困境的氛围塑造乐器，与犹豫彷徨的情感引领独奏，两组离散状态的乐器，在最终，两股力量合二为一，引领着乐曲走向有光的终点。

这首不断回应着主题“Suffering”的歌曲，在苦难面前，理解了人们的犹豫，也鼓励着人们向前走。

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# LITE #

《S》

“S”实际上是我们上一张专辑“Multiple”创作的，但很明显，我们不能把它收录进去，因为它不符合我们为专辑选择的概念，即回到乐队开始时LITE的音景。“S”是LITE制作的“舞曲音乐”，既保持乐队的原声同时又包含流行文化的元素。为了把流行音乐的精髓融入其中，我们邀请了来自独立乐队the fin.的音乐人朋友Yuto Uchino参与制作，特别是合成器部分。我们希大家会喜欢这个LITE进化版。”——Nobuyuki Takeda（LITE吉他手）

由于音乐人Yuto Uchino的加入，相比之前的LITE风格，《S》在数学摇滚的动感中多了一份稳定以及一条引领性音轨。鼓点的不断变化，贝斯与吉他的错位节拍，是属于LITE的标志性风格，而朦胧化的合成器，让声音产生了平稳的的渐变，像是在色彩丰富并不断变化的吉他、贝斯和鼓中，增添了一抹平静的深色。

在乐曲的两分钟之后，鼓点逐渐稳定下来，合成器的元素也逐渐占据主导地位，这也正如Nobuyuki Takeda所说，将流行音乐的合成器元素融入曲中，产生了专属于LITE风格的“舞曲音乐”。

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# 花伦 #

专辑《Scene I》

早在电影配乐《大象席地而坐》这张专辑中，花伦的音乐风格就开始不再仅限于后摇。他们也在不断尝试着电子和氛围音乐，丁茂和朱明康一直在以自己的独立身份参加电子音乐周。

2018年起，在Bandcamp上，他们更是不断更新着自己的电子音乐和实验音乐的系列《w?nd?rl?nd》，今年5月，花伦新发布的专辑《Homework in Quiet time》也让花伦以一支氛围音乐乐队被世界看到。

这次的新专辑也朝着电子音乐和氛围的音乐方向慢慢延伸着。

“‘Scene’是花伦从2020年开始的创作计划，借助于不同类型的合成器、钢琴和吉他，乐队中的三位成员尝试更为细微的音乐实验，用声音和画面对复杂的外部世界进行回应。”

——专辑《Scene I》介绍

在这张专辑中，花伦在音乐中嵌入了process music的概念，这一概念产生于二十世纪60年代，即将音乐结构发展的动态化过程转化为可以被听到的过程。专辑中的两首曲目也奉行了这一概念，让音乐的行进过程被听众在歌曲的不断发展中逐步获悉。

专辑的第一首单曲《Scene》，没有主题，没有主导动机，全曲都围绕着 F A D三个音符进行展开。歌曲由缓慢的合成器电子音效开头，不断着重复着F A D三个音符，作为全曲的基调。接下来，不断加入由三个音符边变奏发展出的旋律，不同的音色，有些模拟着清脆的玻璃碰撞的声音，有些模拟着缓慢延伸的水波声音……丰富着音乐的层次。

接着，加入持续不断的弦乐为主旋律进行和声，吉他出现，弹奏着细小简短的旋律，随后又消失。像是呼应着主题“Scene”一样，歌曲不断的移步换景，与Process Music概念中带听众看到音乐的过程一样，《Scene》则带着听众参观不断缓慢变化交替的场景，将他们想要展现的风景缓缓铺开，运用音乐的联觉，映入听众的脑海。

成功演绎空间上的变化后，花伦又在第二首单曲《Sunrise》中演绎了时间上的变化。

歌曲一直重复着开头的旋律，在重复的过程中不断的加入，吉他空灵的声音和低音的轰鸣，像是日出之前的宁静逐渐被打破，接下来则加入了更多的电子合成器的成分，音乐不断的有了更多的灵动感和场景感。

与第一首不同，《Sunrise》像是录下了每种乐器苏醒的过程，而乐器则代表着日出时刻场景下的生灵，在音乐最丰富的时刻，我们甚至能够听到5种以上的音色，随着音乐不断丰富壮大。

这首单曲并不仅仅表现了日出的过程，甚至代表了时间的进程，作为一种时间艺术，音乐可以把时间的延续过程完美展现，这也就是Process Music 概念的体现。

相比前两首分别在时间和空间上的变化，以及镶嵌的Process Music的概念，第三首单曲《Flood》更加沉稳，风格更偏向氛围音乐，也包容了更丰富的元素。

歌曲开头富有灵气的合成器音色给人以不断上升之感，紧接着又从清脆变为朦胧，像是漂浮在空中，低音模拟的水中气泡声音。加上带有稳定性的合成器长音，与钢琴高音部分的空灵和清脆呼应着，低音模拟的水泡声音一直重复，制造了一个平静而暗藏玄机的湖面。伴随音乐的氛围趋于平静，钢琴的声音时有时无，取而代之的是合成器延绵不绝的音色，直至乐曲的结束。

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